Summer Love 2022
2022.8.30-9.24
송은
8월 25일 수요일 오후 3시 송은 1층 로비에서 <Summer Love 2022>기자 간담회가 진행됐다.
송은문화재단은 2002년부터 2021년까지 송은 아트큐브를 운영하며, 전시지원 공모를 통해 선정된 역량 있는 신진 작가들의 개인전 개최와 창작 활동을 지원해 왔다. 2015년, 2018년, 2019년에는 송은 아트스페이스에서 특별기획 전시로 송은 아트큐브 작가들의 성과와 성장을 다시 주목하고자 작품을 한자리에서 조명하는 《Summer Love: 송은 아트큐브 그룹전》을 개최했다. 이번 <Summer Love 2022> 전시는 마지막 송은 아트큐브 그룹전으로, 2019년부터 2021년까지 공모에 선정된 송은 아트큐브 작가 13인과 함께 Guest Artists인 제21회 송은미술대상 대상 수상자 권아람 작가, 한국 실험미술을 이끈 이건용 작가의 신작, 송은 개관 1주념을 기념하여 프랑스-스위스 듀오인 바르브자-빌타르(Barbezat-Villetard)의 수행적 설치미술을 선보인다. 전시는 9월 24일까지 진행된다.
25일에 진행된 기자간담회에는 강민숙, 바르브자-빌타르, 우한나, 이미정, 조문희, 한성우, 허우중 작가가 참여하여 작품에 대한 더 깊은 이야기를 들을 수 있었다.
전시 제목의 ‘Summer Love’는 젊은 시절 서로를 열정적으로 사랑하여 시간이 지난 후에도 잊지 못할 아름다운 사랑을 의미한다. 일시적으로 시공을 점유했다가 사라지는 ‘전시’는 찰나의 순간으로 사라지지만, 그 시공의 축적은 다음을 기약하기도 한다. 본 전시는 ‘전시’와 마주하는 작가와 관람자의 시간이 모두의 기억 속에 오랫동안 남아있는 ‘Summer Love’가 되기를 바라는 마음을 담고 있다.
권아람 작가의 <Mass>(2022)와 <Flat Walls>(2022)
이번 전시에서 제일 처음 만날 수 있는 작품은 권아람 작가의 작품 <Mass>(2022)와 <Flat Walls>(2022)이다. 이번 전시에서 선보이는 <Mass>(2022)는 송은 신사옥 건축의 일부이며 건물의 지지체로 작동하는 외부 LED 벽을 오브제이자 이미지 사이를 경유하는 거대한 대상(스크린)으로 간주한다. 또한 작업 <Flat Walls>(2022)는 4개의 스크린으로 이루어진 작품으로, 미디어 스크린과 거울의 물리적 속성을 통해 실재와 비실재 그리고 이미지의 서구성에 대해 질문한다. 권아람 작가는 스크린을 매체로만 인식하는 일반적인 관점에서 벗어나 우리의 감각을 자극하고, 사물이 아닌 시공간 속에서 끊임없이 상호 작용하는 유기체임을 보여준다.
김민정, <Das Gassenfenster(골목길로 난 창)>, 2022, FHD 비디오, 컬러, 흑백, 5분
로비를 지나면 있는 계단에서 감상할 수 있는 영상작품은 김민정의 <Das Gassenfenster(골목길로 난 창)>이다. 김민정은 영상 매체의 물리적, 광학적 규칙, 영사 환경 등 매체를 둘러싼 여러 조건을 통해 사회와 문화적 맥락에서 작동하는 기준과 표준이라는 약속된 허구를 드러내고자 한다. 이번 신작은 버지니아 울프의 에세이 『나방의 죽음』(1942), 나쓰메 소세키의 『풀베개』(1906), 그리고 작품 제목이기도 한 프란츠 카프카의 「Das Gassenfenster」(골목길로 난 창, 1913)를 배경으로 삼아 이들을 작품의 화자로 설정한다. 영상 매체가 새로운 기기 환경으로 인해 발생하는 대안적 여백이자 틀인 ‘레터박스(letterbox)’와 그것을 포함한 창문으로서의 ‘프레임(frame)’에 주목하여 사회에서 개인의 성향이 조응하지 못한 채 충돌하게 되는 감정과 적응 과정을 영상에 담는다.
바르브자-빌타르(Barbezat-Villetard), <When the hammer hits, your head splits like a banana - N°2>,
문자가 새겨진 14개의 과일, 대나무와 노끈 , 가변크기, 2022
송은 2층 공간에서 처음 만날 수 있는 작품은 바르브자-빌타르의 작품 <When hammer hits, your head splits like a banana- N°2)>(2022)이다. 이 작품은 미술사에서 다뤄져 오던 정물화에 대한 작가들의 새로운 접근으로 함축과 음률이 담긴 시적인 문구가 새겨진 과일을 통해 관람객을 몰입하게 한다. 과일에 새겨진 단어는 과일의 맛, 향과 함께 하나로 섞여 우리가 흔히 섭취할 수 있는 주스가 된다. 이번 전시에서 작가들은 “Summer Love”라는 전시 제목의 의미에서 영감을 받아 ‘사랑’과 관련한 낭만적인 단어를 과일에 새겨 선보인다. 단어들의 리듬감을 통해 음률적인 요소를 가지게 된 과일들은 전시 공간에서 조화로운 하모니를 보여주고 싱그럽던 모습에서 익어가는 과정을 보여주어 계절과 계절의 정취를 공감각적으로 느낄 수 있게 한다. 전시 오프닝에는 작품에 사용된 과일들로 주스를 만드는 퍼포먼스를 진행한다. 사랑과 관련한 낭만적인 단어가 새겨진 과일로 주스를 만들고 이를 밴딩머신 기계에 넣어서 판매하는 퍼포먼스는, ‘사랑’이라는 감정이 쉽게 소비되는 현실을 나타낸다.
<Riverside>(2022)를 설명하고 있는 조문희 작가
하얀 벽과 나무 바닥, 자연광이 드리우는 2층의 전시 공간에서는 조문희 작가의 사진 작품 네 점을 만나볼 수 있다. 조문희 작가는 도식화된 도시풍경에서 ‘닮음’을 쫓아 삶의 이상과 동경을 따라가는 과정을 담은 사진 작업을 선보여왔다. 작가의 기억 속에서 풍경은 반복되고 중첩되며, 대상을 지시하는 표식과 기표들은 제거되고 실재도 허구도 아닌 하나의 낯선 풍경으로 거듭난다. 이번 전시에서 선보이는 <Riverside>(2022)는 한강을 따라 수변에 자리한 공원과 아파트의 모습을, <sunset>(2022), <day>(2022)는 동시대 아파트의 일부를 근경으로 촬영한 작업으로 자연을 소유하려는 방식에서 비롯된 풍경의 변화와 일정한 권역을 이루며 형성된 거주의 형태를 보여준다.
<SET: the fire scene>(2022)을 설명하고 있는 이미정 작가
조문희 작가의 작품 바로 맞은 편에서는 이미정 작가의 설치 작품인 <SET: the fire scene>(2022)을 감상할 수 있다. 이미정 작가는 동시대를 살아가는 사람들에게서 관찰되는 감수성과 감각에서 비롯된 일상을 장식하는 기호들에 관심을 둔다. 작가만의 회화적 오브제와 무대의 한 장면과도 같은 연출은 유연한 서사를 위한 가변적인 장치로 기능하고 모듈화된 시스템에 변수로 작동하면서 일상의 모습을 재현하거나 배반한다. 이번 전시에서 전형적인 집의 이미지로 여겨지는 ‘八(팔)’자 형태의 박공 지붕 구조물이 화재에 휩싸인 장면을 연출해, 집이 상징하는 사회적 보편가치의 이면을 드러낸다. ‘집이 불타올라야 그 구조를 목격할 수 있다.’ 라는 책의 한 구절에서 시작한 이 작품은 안정성과 일정성을 상징하는 집이라는 요소와 그와 반대되는 요소들을 상징하는 불을 한 씬(scene)에 등장시킨다. 또한 정면에서 볼 때는 하나의 씬으로 보이지만 측면에서 보면 각각의 요소들이 분리되어 있어 틈을 볼 수 있는데, 작가는 그 틈을 통해 관람객이 작품을 보고 각자의 이야기를 상상하게끔 했다고 한다.
오연진 작가는 사진과 사진이 아닌 것의 경계가 중첩되거나 단절되며 작동하는 시각 체계를 탐구한다. 작가는 사진 인화 과정에서 빛의 세기 및 종류, 노광 시간, 초점 거리 등을 조절하고 인화지를 기울고 휘게 하는 등 여러 매개변수를 조정하는 시각적 실험을 한다. 이번 전시에서 작가는 기존에 선보여온 방법론적 실험에서 현상 과정에 집중하여 하나의 평면이 아닌 다층적인 레이어를 띄는 이미지를 통해 시각적인 형식에서 경험할 수 있는 시간을 보여준다.
<식물인간>(2022)을 설명하고 있는 강민숙 작가
강민숙 작가는 사회에 만연한 경제적 검증에 의문을 제기하며 ‘돌봄’이라는 행위를 중심으로 일반적으로 저평가된 것들에 우리의 관심을 돌리는 데 집중해오고 있다. 이번 전시에서 선보이는 <식물인간>(2022)은 새해만 되면 거리에 버려지는 크리스마스트리를 돌보는 여정을 담은 ‘The Christmas Trees Project’의 연장선으로 당시 트리를 옮겨 심을 합법적인 장소를 찾지 못해 불법 점령했던 작은 섬을 재방문하는 과정을 담는다. 또한 작가가 네덜란드에서 수집한 풀을 시아노타입 사진으로 기록한 작품을 통해 ‘자연이란 무엇인가’라는 생각과 고민을 담았다.
*지난 작업 이미지
(왼쪽) 헌정윤, <I got over you (almost)>, 2022, 철, 실리콘, 실리콘 안료, 58ⅹ37ⅹ16cm
(오른쪽) 헌정윤, <I got over you>, 2022, 철, 실리콘, 실리콘 안료, 38ⅹ34ⅹ14cm
© Courtesy of the Artist and Various Small Fires
전시장 2층 공간의 복도와 3층으로 올라가는 계단의 초입에서 만날 수 있는 작품은 현정윤 작가의 설치 작품이다. 그는 개인과 사회 그리고 공동체 사이에서 존재하는 보이지 않는 힘의 논리가 어떻게 우리의 일상을 점유하고 해체하는지 탐구한다. 복잡하게 얽혀있는 사물들의 이해관계와 일상을 영위하는 존재들의 양태를 살피는 것으로부터 작업을 시작하는 작가는 조각에 모종의 태도를 부여하여 조각이 배우가 되고 전시 공간이 무대가 되는 상황을 연출한다. 이번 전시에서는 도시의 표지판, 쇠 울타리 등의 시설물들을 비집고 자라나는 자연물의 유연하고 강한 조각의 몸체를 통해 ‘그럼에도 불구하고’ 계속되는 생성의 상태를 드러내고자 한다.
작품을 설명하고 있는 한성우 작가
3층 전시장 공간에서 처음 만나볼 수 있는 한성우 작가의 작품들이다. 그의 작업에는 주로 사회적으로 환영받지 못하거나 한편에 밀려난 것, 망각되고 사라져가는 풍경의 흔적이 존재한다. 물리적, 심리적, 구조적인 관점으로 해석이 가능한 공간의 풍경을 담고 있는 작가가 이번 전시에서 선보이는 작업들은 작가의 개인적인 기억에서 출발한다. 자신이 15년 넘게 거주하던 집에서 이사를 가게 된 후 텅 빈 집에서 찾아볼 수 있었던 자신의 삶의 흔적과, 오래된 꽃무늬 벽지와 같은 것에서 영감을 받아 2020년부터 시리즈 작업을 계속 진행해왔다. 한때는 누군가의 삶의 흔적이었던 낡고 해진 꽃무늬 벽지는 부재의 형상으로 다가와 기억 속 잔상과 함께 현재에 머무른다.
<무늬 변형>(2022)을 설명하고 있는 허우중 작가
한성우 작가의 작품 바로 맞은편에서는 허우중 작가의 <무늬 변형>(2022) 연작을 만나볼 수 있다. 허우중 작가는 선과 면이 만들어 내는 시각적 반향에 관심을 갖고 이를 회화, 벽화, 설치의 형태로 표현한다. 이전 작업이 패턴의 무한성과 캔버스 화면의 유한성에 주목하며 이 둘의 조합이 만드는 변주의 가능성을 통해 개체와 전체가 맺고 있는 유기적 관계에 대해 물었다면, 이번 신작은 격자와 패턴을 바탕으로 화면 위에 선택적으로 선을 그어 파생되는 비정형적이고 불특정한 궤적에 집중한다. 작품 속에 보이는 불특정한 선들 이면에는 반복되는 패턴과 그리드가 위치한다. 이렇게 단순한 형태에서 어떤 선을 선택하고 확장하느냐에 따라 작품의 선들은 다양한 모습을 띄게 된다. 불확실하고 불규칙적으로 보이는 이미지들이 사실은 규칙을 바탕으로 그려지는 것이다. 이런 과정이 담긴 <무늬 변형> 연작을 통해 작가는 불규칙적이고 무질서해 보일 수 있는 이미지 속에 내제된 질서를 표현하고자 하였다.
작품을 설명하는 우한나 작가
3층 전시장의 안쪽으로 이동하면 우한나 작가의 패브릭 작업들을 만나볼 수 있다. 작가는 자신만의 조형 언어를 통해 형태와 구조, 색과 같은 물성에 제한을 두지 않고 다양한 패브릭을 즉흥적으로 결합하여 작업을 만든다. 이러한 방식은 작업 과정 중에 마주한 우연한 경험을 통해 작업의 범주를 확장하며 관람객에게 자유로움을 느낄 수 있도록 해준다. 이번 전시에서 선보이는 작업들은 작업을 마친 후 작가의 작업실 바닥에 떨어진 사진들을 기록한 사진에서 시작한 작품들로, 작년부터 습작을 진행해오다가 올해부터 본격적으로 작업을 진행했다. 올해 상반기에 진행한 조각설치 작업 이후 남아있던 천들과 작가가 갖고 있던 다양한 천들을 이용해 만든 작품들로, 그간 우한나 작가의 작업에 쓰인 재료들을 한 눈에 볼 수 있다. <Uneasy days>(2022) 시리즈는 패브릭을 평면작업으로 다루고자 하는 새로운 시도이며, 다양한 색과 재질을 이용하여 계절감과 변덕스러운 감정 기복에 대한 탐구로 대형 ‘무드 테라피 월 피스’를 선보인다.
3층 전시장 한 켠 작은 방과 같은 공간에선 박지혜 작가의 <유산(2022)>을 만나볼 수 있다. 작품을 통해 일상을 낯설게 보는 방식을 제안하는 작가는 이번 전시에서 선보이는 신작을 통해 현재의 정당성은 과거를 부정하는 것에서부터 시작한다는 관점에서 기성 질서와 다음 세대의 관계에 주목한다. 작가는 거대한 서사일지라도 결국 작고 흔한 삶들의 집합체라는 인식을 두고, 인간 주위의 복잡한 긴장감에 집중하여 언제든 역전될 수 있는 관계성에 대해 질문한다.
<파시>를 설명하는 나오미 작가
나오미 작가는 역사적 사건들의 이미지, 개인의 구술 기록이나 문헌, 설화 등의 문화적 자료를 바탕으로 특정 장소의 역사성과 정체성을 비교 연구한다. 신작 <파시(波市)_Lost Village on the sea>(2022)는 1930년대 서해에만 존재했던, 해류를 따라 북상하는 어선들이 이동하며 생성되었다가 사라진 해상시장의 모습을 보여주는 사진에서 출발한다. 이제는 사라진 역사적 풍경과 닻만 놓인 연안부두의 모습을 통해 생태계의 혼란으로 사라지고 있는 새와 물고기들의 초상을 나타내어 해상 도시가 생성되고 소멸되는 일시적 풍경을 디오라마 형식의 대형회화 작업으로 형상화하여 재구성된다.
작품을 설명하고 있는 정영호 작가
3층 전시 공간에서 마지막으로 만나볼 수 있는 작품은 정영호 작가의 사진 작업이다. 정영호 작가는 사진, 설치, 3D 프린트를 통해 클로즈업, 빅데이터, AI와 같은 전 지구적 디지털화가 도래함으로써 변화된 일상을 탐구한다. 미디어(기술)가 제공하는 간접 경험의 양태들과 이로 인해 변화된 인식 체계에 주목하는 작가는 스크린의 RGB 픽셀이나 특정 키워드의 빅데이터를 이용한 3D 조형물을 다시 현실에서 보여준다. 이번 전시에서는 ‘노조’와 ‘정부’ ‘대통령’ 등과 같은 단어가 소셜미디어나 포털 사이트에서 언급되는 데이터의 진폭을 쓰리디 프린터로 출력하고 그 출력물들을 촬영한 작품들을 선보인다. 이는 오프라인에서 실종된 사건들이 온라인으로 이주하며 생기는 마찰과 파장에 집중하며, 디지털 시대를 살아가는 우리를 둘러싼 것들에 대한 사고와 세계를 새롭게 바라보고 사유할 수 있는 기회를 제공한다.
송은의 지하 2층 전시 공간에서는 이건용 작가의 다양한 작품들을 만나볼 수 있다. 이건용은 신체와 작품이 전시되는 장소, 그리고 그것을 바라보는 관람객에게 이어지는 관계를 중요시하며, 세계와 신체를 아우르는 존재론적인 접근을 지속해오고 있다. 작가는 1969년 S.T(Space and Time, 조형학회)를 이끌고 AG(아방가르드) 그룹에 참여하며 당대 한국미술에서 전위적이고 실험적인 흐름을 전개했다. 특히 ‘논리’라는 자신만의 방법론을 통해 혼란한 한국의 정치〮사회적 상황에 예술적 소통을 시도하는 한편, ‘예술이란 무엇인가’를 끊임없이 질문하며 자신만의 독창적인 미학을 선보여왔다.
이건용, <Bodyscape 76-3-2022>, 2022, 캔버스에 아크릴, 130.3ⅹ162.2cm © Courtesy of the artist and Gallery Hyundai
이건용, <내가 씹은 껌>, 2021
1976년부터 선보여온 <Bodyscape> 연작은 신체, 장소, 관계에 대한 이건용의 철학적 사유가 담긴 회화 연작으로 전통적인 회화의 방법론을 전복시키고, ‘그리는’ 행위의 본질이 무엇인가에 집중한다. <Bodyscape> 연작은 제작 과정에 있어 작가 신체의 한계와 표현의 자유를 엄격히 통제하여 마치 수행하듯 천천히 선을 그리고 이때 발생하는 우연성의 개입과 다채로운 회화적 색감이 화폭에 남는다. 이번 전시에서는 작가가 구축해온 아홉 가지의 방법론 중 하나인 화면 옆에 서서 왼쪽과 오른쪽으로 방향을 바꿔 선을 남기는 <Bodyscape 76-3>연작을 집중적으로 선보인다. 둥근 두 선의 조합이 ‘하트’를 연상시키는 이 시리즈를 회화, 100여점의 드로잉, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 통해 보여준다. 이와 더불어 작가가 코로나 기간 동안 자신이 씹던 껌으로 제작한 작품과 30일에 있을 전시 오프닝 때 이건용 작가의 퍼포먼스를 통해 완성될 작품도 함께 만나볼 수 있다.
전시에 참여하는 16팀의 작가(강민숙, 권아람, 김민정, 김하나, 나오미, 바르브자-빌타르, 박지혜, 오연진, 우한나, 이건용, 이미정, 정영호, 조문희, 한성우, 허우중, 현정윤)는 각자 생성해온 시공의 층위가 만들어낸 시선과 심상을 전시장에 풀어낸다. 그리고 각각의 작품들은 하나의 공간에서 특정한 주제를 제시하기보다, ‘전시’와 관계하는 작가의 태도에 대해 이야기한다. 이번 송은의 <Summer Love 2022>전을 통해 세대를 넘어 다양한 주제 의식과 매체를 다루는 작가들의 작업을 통해 마음 속 찬란하고 열정적이었던 순간들을 마주하기를 바란다.
전시 정보
관람 시간: 11:00-18:30 (일요일, 공휴일 휴관)
입장료: 무료
* 9월 4일(일) 개관
* 8월 30일(화)부터 9월 4일(일)은 송은 홈페이지 또는 네이버 사전 예약을 통해서만 입장 가능합니다.
정세영 jsy98912@naver.com
